La storia del disegno: evoluzione delle tecniche artistiche.

Quando un principiante inizia a creare arte, si rende presto conto che non c'è un solo modo per esprimere il suo talento nel disegno. Le varie tecniche e pratiche artistiche si sono evolute enormemente nel corso del tempo, e dall'arte primitiva alla natura morta realista, passando per l'incisione, il fumetto o l'arte contemporanea, tra gli altri, ci sono una moltitudine di stili da cui gli artisti moderni traggono ancora ispirazione. Le discipline insegnate nei licei artistici forniscono conoscenze sull'evoluzione della pratica artistica, in modo che gli studenti possano disegnare opere grafiche innovative, attingendo a una varietà di influenze. Per i disegnatori dilettanti, andare nei musei e vedere le mostre, sia generaliste, come il Louvre, sia di arte moderna, tra cui il Museo d'Arte Primitiva, tra le altre collezioni esposte, permette agli studenti di scoprire e capire le diverse correnti artistiche che hanno segnato la storia, e che permettono loro di capire le basi del disegno. Non c'è un solo modo di disegnare, ed è importante scoprire la storia dell'arte per imparare il disegno nella sua totalità ed essere creativi.

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La semplicità di carta e matita, la potenza di una tavoletta grafic

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Materiali e attrezzature che si sono evoluti

All'inizio della storia, la fabbricazione della carta non era nota all'umanità. I primi uomini facevano quindi la loro arte e i loro disegni direttamente sulle rocce e sui muri, usando i colori degli elementi naturali. Il disegno doveva quindi essere adattato alla superficie, e la precisione che si poteva ottenere con strumenti rudimentali come la propria mano, o altre pietre e bastoni intinti nel colore, dipendeva molto dal mezzo su cui si stava disegnando. Con la creazione del papiro nell'antico Egitto, ebbe luogo una prima evoluzione. Questi fogli, ricavati dalle piante, hanno permesso lo sviluppo di veri e propri strumenti di scrittura e di disegno, con un pennello primitivo, intinto nell'inchiostro naturale, che permetteva una scrittura e un disegno più precisi. Tuttavia, durante tutta l'antichità, l'uso delle tavolette di cera era ancora diffuso, e non fu fino al II secolo che la carta, come la conosciamo, apparve dalla Cina. Da quel momento in poi, le tecniche di produzione della carta si sono evolute e gli strumenti per scrivere e disegnare si sono evoluti allo stesso tempo, con punte d'argento, la penna stilografica, la penna di grafite, ecc. Oggi, per il suo basso costo di produzione e la sua praticità, la matita di grafite (o matita di carta) è diventata davvero lo standard per il disegno. Ma con l'avvento del computer e dell'informatica, stiamo vedendo apparire sempre più tavolette grafiche. Questi permettono di disegnare su un software di grafica, grazie a un supporto di lavoro, corrispondente al foglio da disegno, e una penna digitale. Questa nuova attrezzatura permette oggi di informatizzare il proprio lavoro, di condividerlo con il maggior numero di persone possibile grazie a Internet, e anche di utilizzare molte tecniche sviluppate nel corso della storia del disegno, con poca attrezzatura grazie ai pennelli digitali forniti dai software di grafica. Ha anche portato un nuovo modo di lavorare, con gli occhi non più fissi sulla punta della matita, ma sullo schermo del computer, in modo che si possa vedere ciò che si sta disegnando in tempo reale. Dopo 2.000 anni di cultura della scrittura e del disegno su carta, questa coordinazione occhio-mano non è la più naturale per il designer che inizia con le apparecchiature digitali, ed è per questo che le tavolette grafiche ibride, note come scanner, come la Repaper di ISKN, offrono il disegno tradizionale, grazie a un foglio di carta fissato direttamente alla tavoletta, e una matita standard dotata di un anello magnetico, ritrascrivendo tutti i suoi movimenti nel minimo dettaglio al dispositivo grafico. Con questo tipo di strumento, è possibile combinare il disegno su carta con i vantaggi della tecnologia digitale. La carta ha ancora una lunga strada da percorrere ed è ancora il modo più naturale per le persone di disegnare.

La storia del disegno in alcuni periodi.

Preistoria: gli inizi dell'arte grafica.

I primi disegni dell'umanità scoperti durante una missione archeologica sono stimati a più di 70.000 anni fa. La pratica del disegno era ancora del tutto primitiva a quell'epoca, e corrispondeva più a semplici forme geometriche che a una vera rappresentazione di oggetti o organismi viventi. Una prima evoluzione del disegno è stata visibile con quelli trovati nelle grotte di Lascaux, per esempio, che hanno potuto vedere le grandi linee dell'arte grafica prendere forma. Queste illustrazioni, simboli della pratica di un'arte primitiva, ed evidenziate nell'archeologia, saranno la base delle tecniche artistiche e pittoriche che accompagneranno la storia dell'umanità. Secondo gli archeologi, a quel tempo, le opere non erano prodotte con lo scopo di produrre un disegno artistico, ma piuttosto per raccontare scene di vita, dato che la scrittura non esisteva ancora a quel tempo. Così troviamo scene di caccia e molte opere d'arte figurativa, che mostrano animali o rappresentazioni antropomorfe. Ovviamente, in un periodo di tempo così lungo, l'arte primitiva non può essere ridotta a quanto appena detto, ed è interessante andare in un museo che ospita una mostra permanente su questo tema, per scoprire tutte le sue sfaccettature.

Antichità: una produzione artistica portata alla ribalta.

Dall'inizio dell'antichità, il disegno è stato utilizzato principalmente per scopi pratici. Il disegno serviva innanzitutto per farsi capire, inizialmente nella scrittura cuneiforme mesopotamica, che utilizzava simboli pittorici, o nei geroglifici, che possono essere definiti come scrittura figurativa, e continuò ad essere utilizzato anche per raccontare scene di vita quotidiana, o grandi passaggi mitologici, con elementi e corpi disegnati senza prospettiva, il busto spesso di fronte, e la testa di profilo. Tuttavia, stiamo cominciando a vedere queste storie adattate per la decorazione su oggetti di uso quotidiano, come ceramiche, oggetti vari, o anche su affreschi murali di grandi dimensioni. Il disegno divenne così sempre più decorativo, con uno scopo artistico, ma divenne anche più preciso, con l'evoluzione degli strumenti, la punta di metallo (spesso di una lega di argento e rame) avendo potuto guadagnare in finezza nelle opere. L'antichità è anche un periodo storico in cui l'arte era fortemente enfatizzata. Furono istituite numerose scuole che insegnavano scultura e disegno, il che portò a un grande miglioramento delle tecniche nel corso di diverse migliaia di anni.

L'Alto Medioevo: il disegno radicato nella religione.

Dall'inizio alla metà del Medioevo, il disegno divenne più realistico. Anche se le linee sono rimaste lineari, sono state sempre più disegnate con una penna, un pennello e sempre con una punta d'argento. Si cominciano a vedere gli effetti dell'ombreggiatura con il tratteggio, così come la culla della prospettiva, che si sviluppa alla fine di quest'epoca. Le proporzioni dei corpi sembrano ancora incerte sotto certi aspetti, ma i dettagli diventano più precisi, con effetti di drappeggio sui vestiti, o i movimenti che sono anche più variati nelle pose dei personaggi. Questo è anche il tempo dell'illuminazione. Sui libri considerati più preziosi, i testi sono abbelliti da numerose illustrazioni, entrando nella categoria delle arti decorative. Questa famiglia di arte era molto in uso in questo periodo, con il disegno usato soprattutto per illustrare quanto fosse importante la religione, dato che la gente in questo periodo storico spesso non sapeva né leggere né scrivere. Era quindi un eccellente mezzo di comunicazione per i predicatori, e la scuola d'arte o di disegno, per imparare a disegnare, era principalmente riservata ai religiosi. Questa influenza si può vedere nella pittura e nel disegno dell'epoca, con un modello artistico incentrato su Dio e che lascia poco spazio all'essere umano in quanto tale.

Il Rinascimento: una grande rivoluzione e un ritorno alle radici.

Alla fine del Medioevo, tutte le arti grafiche subirono un perfezionamento che portò a una vera rivoluzione nel modo di disegnare. L'insegnamento delle arti fu standardizzato al di fuori della Chiesa, e un'evoluzione del pensiero, così come nuovi strumenti come la grafite, il carboncino o la matita di pietra nera, portarono allo sviluppo del disegno e della pittura. Durante questo periodo, ci si allontana gradualmente dall'arte decorativa del Medioevo, la cui vocazione era quella di diffondere la religione, per passare a immagini più elaborate, destinate ad essere ammirate. Furono create numerose scuole d'arte e laboratori, e prendere lezioni di disegno divenne il privilegio della nobiltà. Il fascino degli artisti di questo periodo con l'antichità portò ad uno studio avanzato del corpo umano e della storia naturale. Le grandi scuole d'arte dell'epoca seguivano questa filosofia, e l'apprendimento del disegno si basava sempre più su modelli vivi, per perfezionare i propri tratti di matita, per dipingere e disegnare schizzi realistici. Ombre, profondità, prospettiva e la ricerca di proporzioni perfette erano centrali nell'approccio di questo periodo. Durante il Rinascimento si produssero grandi disegni e dipinti che rappresentavano scene della Bibbia, i cui personaggi principali erano umanizzati, in uno stile ispirato alle statue antiche, e le commissioni di ritratti realistici da parte della nobiltà divennero sempre più frequenti. Molte delle opere di questo periodo sono state create con una tecnica che è notevole, e molte di esse si possono trovare nelle collezioni dei musei, così come negli edifici più famosi del periodo, come le cupole delle cattedrali costruite in questo periodo.

Dal XVII al XX secolo: il disegno si popolarizza.

L'arte del disegno e della pittura raggiunse il suo apice durante il Rinascimento, e durante questo periodo fu lasciata nelle mani della nobiltà che aveva i mezzi per formarsi nelle arti grafiche. Ma fu con la comparsa della grafite che il disegno divenne popolare in molti strati sociali. Questo portò all'emergere di molti artisti provenienti dalle classi lavoratrici o dall'ex borghesia che avevano perso un po' del loro splendore. Così, dal disegno e dalla pittura classici, direttamente derivati dal Rinascimento, si svilupparono altri stili, come l'impressionismo e il post-impressionismo. L'essere umano era sempre meno rappresentato in modo romantico e gli elementi della vita quotidiana erano sempre più al centro degli schizzi dei disegnatori. La pittura moderna romperà i codici del XIX e XX secolo, con una pittura innovativa e talvolta astratta, e il disegno prenderà il suo posto come forma d'arte principale sviluppandosi, in particolare nella stampa, ma anche nei fumetti e nei manga.

Cosa succede ora?

Oggi, come abbiamo visto con l'evoluzione dei mezzi e delle attrezzature di disegno, il disegno è aperto a tutti, ed è possibile, senza corsi di disegno, di pittura o di arte specifica, praticare tecniche miste, combinando il disegno a matita di grafite con la resa della pittura a olio, il carboncino o anche l'incisione. Questo è dovuto in particolare alle tavolette grafiche e a tutti i nuovi programmi informatici che permettono agli illustratori, principianti o meno, di fare uno schizzo senza limiti, con solo la loro superficie di lavoro digitale e uno stilo. Se il disegno si è evoluto principalmente per adattarsi alla grafica digitale e al lavoro del designer al computer, diventare illustratore oggi non coinvolge solo il computer, e molte persone desiderano continuare a usare la carta, poiché le sensazioni primitive che la matita, legata a un foglio standard, fornisce, rimangono le più naturali per l'uomo. Lo vediamo in particolare con gli illustratori di fumetti, o con i mangaka (i creatori di disegni manga), che usano strumenti tradizionali per disegnare le loro tavole, ma anche con l'introduzione di tavolette grafiche ibride, come la Repaper di ISKN, che offrono di collegare il digitale e la carta, permettendo di disegnare su un normale foglio di carta, pur avendo il proprio disegno riprodotto perfettamente sul software digitale. Diventare un illustratore o un designer oggi, e saper disegnare, significa imparare tutte le tecniche del passato, tutte le specificità tradizionali, al fine di ottenere un mix di abilità che darà risultati innovativi e moderni. Ma il disegnatore deve anche imparare a conoscere il mondo digitale, dato che Internet sta diventando indispensabile se vuole vedere il suo lavoro esposto al mondo, dato che le piattaforme digitali stanno sostituendo sempre più le gallerie d'arte e i musei per ottenere visibilità e notorietà.

Conclusione

Il disegno ha subito una grande evoluzione nel tempo. Oggi abbiamo la totale libertà di imparare e creare disegni di tutti i tipi, grazie soprattutto all'uso della tecnologia digitale, che ci permette di avere accesso a molti strumenti con poca attrezzatura. Tuttavia, ci sono state grandi tendenze nel corso della storia, che si sono sviluppate in parallelo con le attrezzature disponibili per gli artisti di ogni epoca. Per rimanere creativi, è quindi necessario mantenere una mente aperta, e padroneggiare gli strumenti moderni può essere un vero vantaggio.

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